ADS: 18 años de Albert DesSophy

El 27 de Noviembre de 2017 lancé el primer álbum de Albert DesSophy:  Acoustic Dreaming Space. De eso hacen ya 18 años por lo que decidí hacer una humilde pero sentida celebración que comenzó con una pequeña campaña en redes sociales (Instagram/TikTok) de videos cortos con retrospectivas musicales a través las portadas de 17 lanzamientos relevantes del proyecto. Estos videos cortos fueron mostrandose (uno al dia) en los 17 dias previos al aniversario, partiendo desde el lanzamiento más reciente hasta el más viejo.

El fin de esta campaña era utilizar el día 18 de la campaña (es decir, el día del aniversario 18 del proyecto) para lanzar un mixtape compilatorio por los 18 años del proyecto. Este mixtape fue titulado Adulting Dread Sampler (ADS). Esto para jugar un poco con el título del primer disco de Albert DesSophy (ADS) que como ya había mencionado se llama Acoustic Dreaming Space (ADS) y buscando relacionarlo al hecho de que el proyecto ya era adulto.

El sampler se lanzó con posibilidad de descarga gratuita el día del aniversario (27 de Noviembre de 2025) para que quienes desearan tenerlo como celebración pudieran hacerlo sin costo. Posteriormente se le introdujo un precio relativamente barato, sin embargo está disponible para streaming en Bandcamp.

Si bien pareciera más lógico esperar al aniversario 20 para hacer algo así, la realidad es que este año es quizá el último año en activo del proyecto (al menos por el futuro previsible), habiendo participado con un tema en el compilado Antojitos Mexicanos de la disquera independiente Sociedad Subterranea. Debido a esto sentí que era una buena manera de darle cierre con amor y tratando de invitar a conocer su historia a quienes solo lo conocen de manera reciente.

No tengo un plan de dejar de hacer música ni de hacer algo radicalmente opuesto a lo que he hecho hasta la fecha porque a final de cuentas mi cerebro, mi experiencia y mis mañas aquí siguen. Simplemente quiero darme una oportunidad de ponerle una presentación menos enmascarada en la ficción a mi persona musical.

Me gustaría escribir algo breve sobre Albert y cada uno de los discos a manera de anecdota, para que no se me olvide, para que alguien lo encuentre, para que el internet archive lo tenga en su caché si algún día nos reemplaza la IA y el acceso a internet es solo para bots. Ojalá no sea todo un espacio muerto. Para quien sea, incluido "nadie", me gustaría dejar testigo.

Albert DesSophy: Contrario a lo que muchos piensen este nombre no tiene que ver con ningún nombre propio más allá del mío. Albert DesSophy era un personaje de una novela de fantasía que estaba escribiendo en la preparatoria (la voca 10 puessnnn). La idea del personaje era que pudiera resolver las vicisitudes de su vida envuelta en las locuras de un pueblo controlado por un culto a través de los conocimientos que encontrara en libros y textos historicos (dentro de su mundo) distintos. De ahí su nombre, se llamaba Albert porque pues a final de cuentas era una ficción de mi mismo, mi segundo nombre es Alberto. El DesSophy viene de dos palabras (claramente indicadas por las dos mayusculas) Des viene del francés y significa "de los" y Sophy viene del griego Sophia que significa conocimiento/sabiduria. Al juntar el nombre Albert DesSophy podemos leerlo en ese contexto como "Albert de los conocimientos" esto relacionado a su papel en la obra y la forma en la que encontraba agencia en su mundo. Después de 3 años de escribir canciones de una forma un tanto sin dirección en el que hice cerca de 6 o 7 discos de material (y alrededor de 80 canciones) que ya pasaron a mejor vida digital (aunque a veces agarro ideas descartadas de ese pozo) decidí que lo siguiente ya tuviera un nombre de proyecto y que tuviera más dirección al menos en el tema de darle su personalidad a cada disco. Cuando esto sucedió seguía escribiendo la novela y tenia otras ideas de ficciones para el personaje pero nunca dejaron de ser borradores, así que decidí rescatarlo del abismo literario para hacerlo el protagonista de mi proyecto. 

Acoustic Dreaming Space (2007): El título de este disco salió de un blog que tenía en ese entonces cuyo nombre era una parodia del nombre del blog oficial de Radiohead (Dead Air Space - DAS). Tal como pasó con el nombre del proyecto me gustó llevarlo a otro ámbito como el nombre del disco, el cual era adecuado porque el material eran rolas de guitarra acústica que fue grabado en el microfono de mi computadora de escritorio, que era una Compaq Presario de principios de los 2000 con gran procesador Pentium IV (Lentium dirás). Por otro lado fue la primera vez que empecé a agregarle cosas de música electrónica al "ahi se va" con el programa Reason 3. En ese entonces no existia youtube ni había una cultura del home studio ni interfaces y micrófonos baratos por lo que todo fue realmente hecho a contracorriente y aprendiendo a hacer las cosas haciendolas, con los vicios que conllevara no tener acceso a muchas fuentes de información más allá de los foros de internet donde conseguias el programa. Recuerdo que di muchas vueltas en tepito y en la plaza de la tecnología pero no lo conseguí hasta que un amigo me lo prestó. Ya versiones posteriores ya había internet de "banda ancha", que eso en aquel entonces era solo que no usaba el teléfono y podía llegar hasta poderosísimos 64kbps (si, kilos, no megas). En fin, fuera de la diátriba tecnológica es importante reconocer lo complicado que fue llegar al producto terminado sin ninguna guía ni opción tecnológica más allá de mi propia voluntad de querer hacerlo.

The Yellow King (2008): El título de este disco, asi como de la cancion homónima, vino de un ejercicio DADAista que hicimos en una clase de ingles de hacer un poema/historia a partir de recortes de revista. La letra final de la canción es un 99% de ese poema con algunos ajustes métricos para encajar con la música. En general es un disco que fue muy "experimental" para mi, no necesariamente porque el material musical fuera muy abstracto sino porque realmente estaba explorando distintas maneras de hacer las cosas y de usar las herramientas del Reason (aparte de que creo que para este ya estaba usando la versión 4). También a diferencia del anterior que fue hecho medio en la prepa y medio entrando a mi primera carrera, este fue hecho en su totalidad mientras estudiaba una ingeniería. Gran parte de la noche me la pasaba haciendo rolas a la par que (a veces) hacía tarea o estudiaba o cosas de esas de universitarios que duermen 8 horas... a la semana. Siento que hoy en día es uno de o el disco que más trabajo me cuesta escuchar porque es bastante poco amable con los oidos en muchos sentidos, sin embargo toda la experimentación del disco fue lo que permitió realizar lo que para varios es el magnum opus de este proyecto (yo discrepo en esa opinión, pero ... cada quien)

Telematic Embrace (2009): Este disco es, como comentaba antes, el favorito de muchos. Yo le tengo saña a esa opinión porque siento que es un reflejo de que es el único que no tiene mi melodiosa voz metida en ningun lado. El título viene de un ensayo de 1990 que se llama "Is there love in the telematic embrace?" cuya premisa se basa en la pregunta de si existe la emoción o el amor en el arte por computadora (en el caso específico del ensayo en el arte telemático). Siendo que este álbum es el único en toda mi discografía que fue realizado 100% a través de una computadora sentí que esta pregunta era relevante, sobre todo considerando que mi punto de vista y de entendimiento de las computadoras venía desde el lado tenológico y de la ingeniería, no de los entusiastas ni de los artistas. Siento que yo llegué a una respuesta muy firme a la pregunta, por ejemplo en temas como Digital Rainbow Girl que reflejan mi amor a la persona en el título de la rola, o a la música en rolas como X Will Mark The Place que es un tributo a Where I end and you begin de Radiohead (mi gran amor musical) o Morning Trip Database que tiene un sample de Manha de Carnaval de Astrud Gilberto. Telematic Embrace es claramente una obra de amor, por lo que siento que fue muy oportuno encontrarme de mera casualidad con la existencia de este ensayo casi casi al mismo tiempo que hacía el disco, porque siento que indirectamente y desde una perspectiva completamente fuera de su marco teórico, encontre una respuesta a su pregunta. Y ah si, también estudiaba Ingeniería Telemática...

After Dark (2009): Este disco se fue cocinando al mismo tiempo que Telematic Embrace (de ahí que tuvieran solo 1 mes de diferencia en sus lanzamientos). Me sirvió como escaparate para poder hacer rolas con mi guitarra y mi voz como siempre. Sin embargo al tener ya en ese entonces una laptop un poquito menos mala que mi PC de escritorio Lentium 4 pude hacer una locura llamada, grabar un multitrack y con un adaptador de plug a miniplug (tecnologías avanzadas yay!) ya podía conectar mi guitarra eléctrica a la laptop para grabar cosas con ella y no sufrir tanto con grabar lo que sonara del ampli con el micro de la PC. Por otro lado tecnológicamente ya estaba metido bien duro en el mundo de la pirat.. -ehem- del uso de plugins de audio, por lo que bajé una versión de guitar rig con un monton de patches bien chidos que simulaban sintetizadores de guitarra y loqueras y media que pensaba que me iban a dejar hacer el Robert Fripp (no, no se logró porque pues... no soy Robert Fripp). Por lo mismo este disco tiene muchos timbres/texturas sonoras que vienen de cosas super procesadas como el shoegaze o lo industrial. También en ese entonces alguien muy cercana a mi corazón me regaló el CD de Ahí Vamos de Cerati y pues lo escuchaba todos los días en el carro camino a la escuela asi que algunas texturas Ceratianas se colaron en mis ideas. El título viene de un libro de Haruki Murakami.

Across The Void (2010): Este es un disco fuertemente personal y oscuro que reflejaba mucho el como me sentía en general en mi vida y el título viene de los Beatles. El disco inicialmente se llamaba The Right (Wrong) Time y compartía ese título con una canción que acababa de escribir, un día mientras tocaba esta canción, la seguí del coro de Across The Universe de The Beatles pero cantaba yo "Deja Vu, In Rainbows, nothing's gonna fill my void, nothing's gonna fill my void". Esas lineas salieron de forma bastante natural, "Deja Vu, In Rainbows" era una referencia a una rola de Cerati y al gran disco de Radiohead y sentí que era mi alma diciendome que ni la música iba a llenar el vacío que sentía en ese entonces. Posteriormente hice una rola que se llama Void y en esa rola hay una linea que dice "feel the lights across the void, close the way to reach your heart" y sentí que había aparecido de nuevo esa idea de Across The Void por algo, entonces decidí que ese iba a ser el título del álbum. Musicalmente es uno de mis discos favoritos porque pese a los problemas de producción de no tener una interfaz y no saber ni que era el mastering, se acercaba muchísimo al ideal que yo tenía sobre lo que quería de mi música, algo que bailara flexiblemente entre la electrónica y el rock. Siento también que se reflejó mucho mi abuso en el consumo de Massive Attack y Portishead en esa época porque sentía que lo denso del triphop llenaba muchos espacios que me dolían internamente. Curiosamente ATV no fue un disco que se sintiera espectralmente vacío sino resonante y oscuro. De mis favoritos de mi discografía.

TheSecondMoon (2011): Este disco fue una alucinación colectiva, nunca pasó, sigamos... Ok, no. Definitivamente este disco fue otro gran experimento porque mi papá se había comprado una guitarra electroacústica y un micrófono más chido, entonces aunque seguía sin tener interfaz pues ya tenía al menos equipo que (en teoría) iba a sonar más claro y eso me hizo querer grabar a lo idiota. El título viene de la idea de un cielo con dos lunas salido del libro 1Q84 de Haruki Murakami, la canción principal Air Chrysalis viene también de una figura en ese libro, que a su vez estaba combinada con una visión del fin del mundo que tuve en un sueño. En retrospectiva siento que es un disco muy apresurado (salió a meses de distancia de Across The Void) y en muchas partes se nota. Algo que disfruté de esta etapa es que convoqué a amigos a escribir cuentos acerca de un cielo con dos lunas que quedaron dentro del booklet del disco (disponible unicamente en bandcamp). Otro hito importante de este disco es que fue el último disco que hice compaginando mis desvelos de la ingeniería, quizá eso tenga mucho que ver con la sensación de premura que empapa gran parte del disco.

Tecnojardín (2012): Este año fue muy pesado emocionalmente y desolador para mí, creo que nunca había sentido tanto desapego por la vida como en ese entonces. Este disco no refleja para nada eso, porque al contrario de Void, este fue un espacio de sanación y de volverme a reconectar con los deseos de vivir. Fue quizá el momento más bajo en el que poco a poco me di cuenta de que no me quería morir, sólo quería no sentirme de la mierda en vida. Durante este año y el siguiente fui reconectando conmigo gracias a la ayuda de guias espirituales y shamanes que me ayudaron a ir limpiando mi alma, creo que esto permeó la sensación armoniosa que hay en este disco. También fue la primera vez que tuve oportunidad de estudiar cosas de audio lo cual fue de bastante ayuda (aparte de que ya había más recursos en linea). El título salió de una lectura que había tenido en una materia de impacto ambiental ya al final de la ingeniería que se llamaba "Evaluación de los Ecosistemas del Milenio" en la cual había una parte donde proponían escenarios sobre la transformación de los ecosistemas en el futuro, uno de ellos que era el más proactivo se llamaba "Tecnojardín" y era uno que a partir de tecnologías verdes buscaba encontrar una armonia entre la tecnología y la naturaleza. Para mí esa idea representaba totalmente la escencia del álbum que buscaba también una armonia entre mis raices más tecnológicos e ideas de letras que venían más de la naturaleza. De guitarras más calmadas y atmosféricas. Un disco muy importante que posteriormente (en 2015) sería el primero en tener una edición física de tiraje limitado bien chida.

永遠 (Eien) (2013): Este disco fue un disco más electrónico en el cual yo quería encontrar una sustracción sonora, un quitar frecuencias para darle una sensación de vacío espacial/sonoro (que como buena sustracción sirvió para realzar otras cosas). Como concepto del disco pensé en algo que llamé Krautpop primeramente porque mi mayor influencia en esos días venía de escuchar Can, pero también porque musicalmente era un genero con mucha sensación de repetición. El título en japonés (Eien) que significa Eternidad nació de que quería burlarme un poco del cliché de muchas bandas de relacionar el número 8 (porque este es el disco 8 del proyecto) con la lemniscata de Bernoullí (el símbolo de infinito pues) entonces busqué la forma de relacionarlo con una palabra que no sonara tan cliché, de pronto mi espíritu Otako me trajo la idea de usar una palabra en japonés que representara lo infinito y eventualmente llegué a Eien, posteriormente con ayuda de un amigo (Daniel Iván López) traduje todos los títulos de las rolas al japonés y así fue como llegamos al tracklist final. Quizá hubiera sido más poético que fuera un disco de 8 rolas pero la rola 9 llegó de la nada.

Hauntología (Invisible) (2016): Este es otro de mis favoritos.  La idea del disco era trabajarlo como si yo fuera un power trio, por lo que mi primera restricción era negarme usar guitarras rítmicas y trabajar más las lineas melódicas en la guitarra. En su mayoría el disco respetó la idea pero a mitad de la creación compré mi primer sintetizador (un Korg Minilogue) entonces un cuarto elemento se unió al power trio. También casualmente la única canción en la que mande a volar la regla Tenebrae (Danza Oscura) resultó ser la favorita del disco para la gran mayoría del público (y mía también). El título del disco viene de que cuando leía Future Days: El Krautrock y la construcción de la alemania moderna de David Stubbs (libro que quedó en manos de mi querido Marco Aurelio Alvírez cuando falleció) me topé con el concepto de Hauntología (en particular el concepto de Mark Fisher) que hablaba mucho sobre lo nostálgico y los futuros que no llegan. Yo lo relacioné con lo fantasmal y por ahí llegó el subtítulo de "Invisible" (que también era una referencia cariñosa a la banda de Spinetta del mismo nombre). Este disco representa muchas cosas para mí porque fue el primer disco después de conocer Morelia en 2014 debido a un curso del CMMAS y hubo muchas influencias en mi pensamiento artístico gracias a las personas que conocí en el mes que viví en Morelia en 2014. Una de las canciones del disco SilencioDios (que a su vez es una referencia a Bolsodios de Spinetta) la compuse mayormente mientras me bañaba en casa de un amigo que hice en morelia y al que iba a visitar en mis vacaciones del trabajo (Gerardo Meza). También fue el primer disco en el que conté con una interfaz de grabación por lo que la calidad del mismo (a mi parecer) es mucho mayor. Por otro lado fue la primera vez que trabajé desde cero con una artista para todo el diseño artísitico del disco, éste corrió a cargo de mi querida Malitzin Cortés (cndsd) y la experiencia de tener juntas para discutir sobre como queríamos que quedara, para tomarme las fotos, etc fue algo muy nutritivo, aparte de que el trabajo que hizo Mali fue increible. Aún hay copias físicas de este disco por si alguien quiere su copia del que según el día puede ser mi absoluto favorito en mi discografía (junto con El Paso del Tiempo). El CD quedó absolutamente hermoso y parte de mi quisiera que llegara a todos lados, pero otra parte quisiera no quedarse sin copias porque está bellísimo.

Baby Vil y las Ovejas Eléctricas en el País de la Gente Pizza (2020): Este disco es un disco con el que a veces conecto mucho y a veces nada. Musicalmente quería hacer rolas más "frescas" (whatever that meant) y que conectaran con mis viejos gustos britpoperos de la secundaria. Pensaba en rolas de estadio como Don't look back in anger de Oasis cuando hacía rolas como Falsos Cuerpos. Conceptualmente es un disco que trata sobre el engaño y la posverdad, todas las canciones tienen muchas capas de mentiras, desde las letras hasta ciertas ideas musicales. Por otro lado este era mi primer disco totalmente moreliano, el primero en el que invité a participar a otras personas en mi proceso y en el que tenía constante retroalimentación de muchos músicos y productores. A veces siento que hubiera estado chido que alguno me diera unas cachetadas por no cantar tan bien como realmente puedo. Los ratos en los que me cuesta conectar con el disco es porque en ese tiempo estaba teniendo muchos problemas con mi voz (lo cual lo atribuyo a que por socializar en mi nuevo entorno bebia demasiado), sin embargo en vez de prudentemente afinarla todavía decidí ser más desafiante usando una distorsión muy fuerte prevalente durante gran parte del disco. Es un disco con canciones muy chidas y momentos muy relevantes para mí como músico que tiene momentos débiles. En cuanto al título son varias ideas, la primera es que quería un nombre extravagante inspirado en el The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars de Bowie, me gustaba la idea de un personaje en una situación absurda en el título, de ahí nació Baby Vil, la parte de las ovejas eléctricas viene del cuestionamiento de la posverdad en la figura de las ovejas eléctricas dentro de la historia corta de Phillip K Dick Sueñan los androides con ovejas eléctricas, y la parte de la gente pizza es por un error de autocorrector de una amiga que me hablaba sobre la "gente pinza" (gente a la que le tienes que hablar con pincitas). La idea del título absurdo me llevó a juntar todas esas ideas. Algo que me gustó mucho fue la campaña de marketing en la cual convertí mi perfil en redes en un perfil de una empresa que se dedicaba a rehabilitar androides deprimidos por datos falsos. El arte de Karen (uncool) está bien chido también.

El Paso del Tiempo (2023): El último álbum de Albert DesSophy es también (junto a Hauntología) mi favorito. La idea del disco inició a finales de 2020 cuando escribí Un Beso de Plata que era una rola para piano e instrumentos orquestales, me metió la idea de que sería interesante hacer un disco que se centrara en esa instrumentación (cuyo acceso y conocimiento fue resultado de mis estudios de mi Licenciatura en música en la ENES) para titularme, sin embargo siendo la academia como es no me permitieron hacerlo. De igual forma era una idea que estaba en mi mente y que poquito a poco se iba formando adentro de Sibelius. El trabajo ya en serio empezó en 2022 cuando me dijeron que no podía titularme con mi propia música (a menos que fuera académica, electroasústica y fuera acompañado de un texto académico). Por otro lado el sonido del disco Symphonik de Thievery Corporation siempre me había parecido muy cool porque revolvía bastante bien el trip hop con la orquesta en vivo. Cuando trabajaba la rola Fulgor decidí que iba a agregar más toques de glitch y electrónica sobre la orquestación porque si quería ese sonido electronico dentro de la orquesta. La gran mayoría de las rolas nacieron como melodías que cantaba o tocaba en el piano y ya después sentaba en una partitura y las desarrollaba para la orquesta porque quería abordar la composición totalmente desde el papel porque siempre he sido una persona que trabaja más desde su propia intuición que desde las reglas de la academia. Dentro de las letras el disco es muy reflexivo y hasta a veces pesimista, reflexionando sobre cosas como el miedo a que tus padres un dia despierten y ya no te recuerden en Q (re-cuerdas) sobre ser parte de una sociedad en la que un dia alguien nos da la mano y al siguiente puede ser que estés contra la pared a punto de ser fusilado en Fulgor el sentir que tu vida está pasando y no estás logrando nada en El Paso del Tiempo. Siento que desde Hauntología mis letras han tenido mucho que decir y siento que musicalmente este disco pudo tener una narrativa que acompañara las ideas en las letras de distintas formas, por ejemplo, aKKKademia (cuyas KKK hacen referencia al fascismo y racismo gringo) habla sobre los pequeños fascismos y puertas cerradas a los que te empujan los académicos para que seas exactamente como ellos o no seas, musicalmente esta idea se representa a partir de la idea de que la rola es un liede estructurado del romanticismo que tiene dentro un trap y puedes ver como al final el piano se descompone mientras la parte del rap se enoja más y desemboca de todos modos en un arquetipo musical aceptado por la academia de hoy en día, un dron electroasustico programado en supercollider que te lleva a preguntarte si quien cantaba/rapeaba logró salir del molde. 

El Paso del Tiempo se siente como una manifestación definitiva de muchas cosas que he querido hacer y decir en este proyecto desde siempre y siento como que estiré el elástico del resorte de este proyecto hasta su máxima expresión y eso me hace sentir ganas de soltarlo y empezar a estirar otro. Esta es una de las razones por las que por ahora he decidido poner en pausa indefinida al proyecto, porque quiero poder comenzar a expresarme nuevamente desde formas más básicas. De poder hacer canciones con mi guitarra sin sentir que me estoy yendo muy para atrás a la vez que permito que mi música pueda respirar desde otros ámbitos.

En fin, gracias a quienes hayan leido hasta aqui, gracias a quienes han celebrado conmigo estos 18 años con felicitaciones, escuchando el compilado, preguntando por lo que viene y que tan muerto está el muerto adulto. Lo único que tengo para este proyecto y para quienes me acompañaron en sus distintas etapas es gratitud. 

Felices 18 y hasta pronto!!!!